El trabajo de Francisco Leiro como escultor se relaciona siempre con la figuración expresionista, aunque se clasifique en diferentes etapas. En su trayectoria hay referentes que persisten como la escultura tradicional gallega, la monumentalidad de las creaciones de Miguel Ángel, la estatuaria egipcia o el expresionismo alemán que dan como resultado unas creaciones con enorme expresividad. Aunque la mayoría de sus creaciones tienen un carácter ameno, sarcástico, de entretenimiento, a Leiro le gusta mostrar su compromiso con la sociedad y con las situaciones que ésta padece. Este es el caso de la obra Retén (madera de castaño policromada, 236x70 cm., 2006) en la que se retrata a una de las personas que colaboraron en la extinción de la multitud de incendios que asolaron Galicia en el verano de 2006. La figura va ataviada con el característico uniforme amarillo, mascarilla y los útiles de trabajo que llevaron los voluntarios y operarios para evitar la propagación del fuego. Sus piezas siempre tienen un carácter narrativo ya que cuentan historias, en este caso desde el lado más amargo. Este retén vinculado con un acontecimiento trágico de la reciente historia gallega se puede relacionar con la serie Recolectoras, en la que retrata a mujeres que colaboraron con la limpieza de las costas tras el desastre ecológico que provocó el naufragio del petrolero Prestige frente a Galicia. Con estas obras el autor homenajea a las personas anónimas que ayudaron a paliar los daños que provocaron estas dos catástrofes y al mismo tiempo, denuncia unas situaciones que generaron una gran alarma social. La monumentalidad, en esta ocasión potenciada, característica de las creaciones de Leiro dota a la figura de una importante presencia visual, pero sin embargo, el volumen, el equilibrio, la masa y el espacio siguen siendo los fines últimos de la obra. La variedad en la utilización de los materiales también ha sido constante en la carrera del artista, desde el empleo de diferentes metales, pasando por la piedra o la madera. De ésta utiliza distintos tipos aprovechando sus peculiaridades cromáticas que le facilitan la consecución de las calidades expresivas perseguidas. En la obra Leiro no oculta las huellas dejadas por la gubia que potencia con el color aplicado sobre la madera. Así, la tosquedad de la talla de la madera se ve paliada por la policromía que insufla vida y personalidad a la figura, tratándose de un elemento plástico que potencia la lectura primitivista y expresiva de la pieza. Con el retrato de un retén Leiro conjuga en una misma obra el concepto clásico de la estatuaria con una temática de plena actualidad, recogiendo el interés cada vez más persistente por las imágenes extraídas de los medios de comunicación.
Bibliografía:
- Barro, D. (Ed.). (2009). El espejo que huye. Obras Colección FMJJ [Catálogo de exposición]. Gijón: Fundación María José Jove – Cajastur.
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- García-Fajardo, M., López Redondo, A., de Diego, E., (2011). QUÉ HACE ESTO AQUÍ? Arte Contemporáneo de la Fundación María José Jove en el Museo Lázaro Galdiano. [Catálogo de exposición]. A Coruña: FMJJ
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- Sarmiento Escalona, R. (2015). Esculturas sentidas [Catálogo de exposición]. A Coruña: Concello da Coruña, Palacio Municipal de Exposiciones Kiosco Alfonso.
Exposiciones:
- El espejo que huye. Obras Colección FMJJ. Fundación María José Jove – Centro Cultural Cajastur, Palacio Revillagigedo de Gijón, 2009.
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- QUÉ HACE ESTO AQUÍ? Arte Contemporáneo de la Fundación María José Jove en el Museo Lázaro Galdiano. FMJJ, A Coruña, 2011.
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- Esculturas sentidas. Palacio Municipal de Exposiciones Kiosco Alfonso, A Coruña, 2015.
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- Compaña. Galería Marlborough, Madrid, 2006.
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Cuando era un niño Francisco Leiro, siempre autodidacta, comienza a observar los volúmenes de los cuerpos con insistentes juegos infantiles de figurillas del barro. Ya adolescente, surgen pequeños encargos de índole variada por las comarcas próximas a su villa natal, Cambados (Pontevedra), como relieves para lápidas funerarias. Es entonces cuando Leiro comienza a realizar unas esculturas que brotaban espontáneamente de su interior, con las que realiza su primera exposición, a los dieciocho años, en la Caixa de Aforros de Pontevedra. Corría el año 1975, entonces sus obras producían asombro, no vendía nada y comenzaba a asumir una vida consagrada a la incomprensión y a la carestía. Pero unas infatigables ansias de experimentación, las dosis necesarias de perseverancia y la convicción y el amor inconmensurable por el arte han logrado que, treinta años después, sus monumentales esculturas sean exhibidas y admiradas en las más importantes salas internacionales.
Después de aquella primera muestra en Pontevedra y de otras igualmente infructuosas en diversas salas gallegas, expone en Madrid, en 1982, en el Club Internacional de Prensa, se une al colectivo Atlántica en la muestra realizada en el Pazo de Xelmirez de Santiago y después, en 1984, expone por primera vez en la Galería Montenegro, desde donde arranca realmente su trayectoria, que irá colmándose encadenadamente de innumerables exposiciones por todo el mundo, reconocimientos y honores de sobra merecidos. En la escultura del cambadés, destaca la evocación de mitos e indagación en la iconografía pagana o cristiana envueltas con una cierta carga irónica, la preferencia por la figura humana en posturas dificultosas, la predilección por las líneas curvas, las grandes dimensiones, la combinación de elementos figurativos y abstractos, la conjunción de materiales diferentes o la reivindicación a la tradicionalidad de la actividad artística manual. En general, la mayoría de estos aspectos han pervivido a lo largo de su trayectoria, si bien con sutiles diferencias entre unas y otras etapas que se han ido haciendo más complejas, tanto conceptual como artísticamente. Así, tras unos inicios evocadores del espíritu surrealista y dadá, e incluso pop, nos encontramos a principios de los ochenta con unas esculturas figurativas con cierta tendencia a la languidez que frecuentemente policromaba totalmente, privando de cualquier función a la materia. A partir de 1983, cuando se introduce en el circuito artístico más renovador de Madrid, sus obras se vuelven más potentes y dramáticas, esquematiza los cuerpos y la policromía se reduce, extrayendo todo el potencial de los materiales empleados, especialmente los viejos troncos de carballos y castiñeiros gallegos. Sin embargo, tras su traslado a Nueva York, en 1987, se hace más frecuente el uso de materiales prefabricados. En cualquier caso, siempre con un lenguaje común, el cuerpo humano; figuras en forma de personajes populares o míticos, sarcásticos o amables, irónicos o trágicos, esperpénticos o hermosos.
